16种技法，让你作出漂亮的婚纱手绘插画！
为了更好地体现出服装画的不同风格,表现着装者的整体气质和完美效果,在画正稿之前必须对进行周密考虑。
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在绘制礼服、婚纱服装时,则选择身体有扭动、突出曲线美的;只有选对了才能将设计意图通过模特的姿态准确完整地展示出来!
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其次,在婚纱设计绘画中,一定要分明主次,主要表现的是婚纱,所以人物一定要简单线条表现,婚纱要着重细节表现。
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既然是服装设计的一种,材质表现非常重要,婚纱多以轻纱、蕾丝、钻等材质为主,表现的绘画手法很重要,一定要体现出婚纱的不同材质。
当然啦,若是想熟练绘制各种不同风格的时装画,就需要了解服装画的各种画法技巧,下面给大家介绍16种绘制方法~
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淡彩法 ――以勾线为主,在时装画的主要部位,简略地敷以色彩。这种敷色方法,由于采用水彩画着色法,故多用水彩色或水粉色。
勾线的工具,可以选择钢笔、铅笔、炭笔、毛笔、马克笔等。此方法较为简洁明快,方法易于掌握且较为快捷。
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平涂法 ――是常用的时装画技法之一,简便易学。它采用每块颜色均匀平涂的方法,颜料多采用具有一定覆盖力的水粉颜料或马克笔。
平涂法有两种:一是勾线平涂,二是无线平涂(亦称为没骨平涂)。勾线平涂是平涂与线结合的一种方法,即在色块的外围,用线进行勾勒、组织形象,这是勾线平涂最常用的方法。勾线的工具可以多种多样,勾线的色彩,亦可根据需要随之变化。
无线平涂是利用色块之间的关系(明度关系、色相关系、纯度关系)产生一种整体的形象感,并不依靠线组织形象。 勾线平涂易获得装饰性效果,可根据需要适当留飞白,产生一种光感。色块之上,还可以叠加如点、线等的装饰,增强装饰性。
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喷洒法 ――包括两种方法:一种为喷绘法,另一种为洒色法。
喷绘法是以喷笔等喷绘工具为主的绘制方法。由于喷绘工具绘制的色彩细腻、均匀,所以它不仅可以绘制出具有写实风格的时装画,且能使画面达到一种神秘效果。
洒色法是将色彩洒在画面的一种方法。它以毛笔、海绵等工具敷上颜色并洒在画面所需之处,以达到一种不规则的点状的肌理效果。时装画中的某些点状面料肌理、背景处理可以使用此方法。
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晕染法 ――晕染法是从中国工笔画技法中吸取而来的一种时装画技法。
采用两支毛笔交替进行,一支敷色,一支沾清水,由深至浅均匀染色。这种技法可以用于时装画中的人物、有光泽的面料、薄料等。
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撇丝法 ――这是中国画、染织图案设计中的一种技法。采用毛笔敷色之后,将笔锋撇开,形成间隔、长短等不规则的排线。
用这种方法,可以绘出袭皮的长毛质感以及丝状物。
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重叠法 ――以色与色的逐层相加,产生另一种色相、明度、纯度等不同的色彩。这种效果,一般表现透明、或需要加深的色,可以多次进行完成。
相加色彩的次数,可以三或四次、甚至更多,一般来说,以纸张的承受力、颜色的覆盖力和所要表现的效果为准。
比如表现纱的效果时,可以运用重叠法,由浅至深,逐层、逐次晕染,使其产生透明的效果。
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剪贴法 ――以面料、报刊、色纸等一些可用于剪辑、拼贴的材料,按画面需要进行拼接、粘贴的一种时装画技法,它可用作间接预视面料运用的整体效果。
在时装广告、时装潮流预测等形式中,常用此法。
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阻染法 ――利用颜料中油性颜料(油画棒、蜡笔、油性马克笔等)与水性颜料(水粉色、水彩色、水性铅笔等)相互不融的特性,以一种颜料作纹理,另一种颜料附着其上,由此产生两种颜料的分离。
此法多用于深底浅色面料的处理,如蓝印花布、蜡染面料以及镂空面料等。
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拓印法 ――拓印法是将棉花、海绵、布等材料,使其形成一定的形状,敷上颜料之后,作于画中,可形成一定的肌理效果。
亦可预备如纸或塑料材料制成的某种所需形状,再用拓印之法,形成某种所需形状的特殊肌理效果。
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转印法 ――采用转印纸上的图案,并将这些图案用刮笔转印到画中。转印的图案具有工整、快捷等优点,但受到转印纸图案种类及尺寸的限制。流行预测、商业设计图等多用转印法。
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凹凸法 ――使用一定的外力,将画面所要处理的部位,敲打、压挤出凹凸效果来,由此而产生一种立体的效果。
例如,在钮扣、口袋、装饰物等需要着重突出的部位,可以采用此法。但需要注意的是,运用此法时,色彩的选用,不可太多,最好使凹凸处理在色块,或单色色块上,甚至是无色之中。凹凸的部分,其面积不宜过大。使用凹凸法时,应注意力度的大小,以及纸张的弹性、厚薄,以免损坏画面。
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磨擦法 ――用枯笔、海绵、橡皮、布等带有阻力的粗糙的材料,敷上少许颜料,磨擦画面,或用砂纸、牙刷等工具磨擦画面,由此而产生一种较为朦胧、陈旧的某种痕迹效果,此法称为磨擦法。
如牛仔布料的处理、皮革及段子、裘皮等常用磨擦法。
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流彩法 ――有些面料纹理或某些特殊肌理的效果,常采用流彩法。此方法利用颜料的流动性达到表现的目的。
首先用适量的清水打湿需要处理的部分,然后用含有一定量水分的颜色置于其中,小心翻动画面,使色彩流动至满意为止,干后即成为具有流动感的画面效果。
亦可预先在镜面、水面(需用油性颜料)等光滑的材料表面将颜料作好流动的色彩肌理,然后用画纸覆盖其上,将流动的色彩印入画中,最后进行剪辑处理。
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折皱法 ――将画面按所需揉、折成皱,再敷上色彩作画,产生一种肌理效果,称为折皱法。此法用于特殊的面料和背景肌理效果的表现。
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复印法 ――复印法是较为快捷的一种方法。利用现有资料,进行多次复印、剪接,再复印、再剪接,达到期望的效果。
运用此法需注意时装与人物的衔接,以及画幅大小的衔接、表现形式、风格、资料的版权等问题。
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刮割法 ――这是利用某种硬物、尖状物或刀状物,刮割画面,使其产生一种特殊效果的方法。如对袭皮的处理或表现时,常常采用尖状物,沿裘皮纹理适当刮划,能表现出裘皮的蓬松、真实感。
由于刮割法对纸张有损害,运用此法时,需考虑刮割的深度与纸张的质地与厚度,避免划破纸张。
如能熟练运用这其中的几种方法,你还怕自己画不好美丽的时装效果图吗?
(图片来源网络,版权归原作者所有)
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华丽礼服裙怎么画？
是刁蛮公主的话应该加点野性元素例如一些潮流又带有活力的装饰
但衣服还是要以华丽为主但要带上活力如果是彩色画的话可以多考虑红色红棕色绿色这些色调头发的话一般不要画成卷形的因为跟刁蛮不符除非你的角色具有强烈的反差建议你把角色画猫齿吧突出刁蛮鞋的可以选择拉链的长靴反正这个能衬很多角色对了在腰上多加2条腰带吧或者用围巾什么的束上为了突出线条也就是为了突出运动感即是刁蛮!眼睛的话不要太华丽很文静稍微带点三角形吧这样感觉有点奸诈。
这样也就差不多了吧LZ也可以自己设计一下!
画出一件小礼服 是一件如此轻松容易的事 从事服装画教学10多年经验的插画高手罗安璃 教你从选择笔具 熟悉笔性开始 选择自己顺手的粉彩笔或色铅笔来勾勒或上色 就可以开始描绘…… 每个女孩心中都藏有一件梦幻礼服, 也许是气质的小礼服、活泼的蓬蓬裙, 甚至是拉着长长拖尾的浪漫白纱。
首先画出一个月牙形作为裙子的领口首先画出一个月牙形作为裙子的领口。
在领口的基础上画出裙子的上部。
再在裙子的上部画出裙子的花边。
在裙子的花边上添加褶皱线。
再在裙子上部上画出分界线和扣子再在裙子上部上画出分界线和扣子。
在上部裙子下面画出中间的花边在上部裙子下面画出中间的花边。
在中间的花边上画出褶皱线在中间的花边上画出褶皱线。
在画出裙子的下部轮廓线在画出裙子的下部轮廓线。
在裙子底部上画出褶皱线在裙子底部上画出褶皱线。
并在裙子腰部上在画出褶皱线,这样简笔画灰姑娘的公主裙就画好了。
时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“
时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。
接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。
一. 时尚插画的开始
时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。
在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。
十七世纪的艺术家雅克・卡洛(Jacques Callot)和亚伯拉罕・博斯(Abraham Bosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。
这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括Le Mecure Gallant,The Lady's Magazine,La Gallerie des Modes,Le Cabinet des Modes和Le Journal des Dames et des Modes。 在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。
二. 十九世纪的时尚图样(The fashion plate)
时装图样(The fashion plate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如Horace Venet的《 Incroyables et Merveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治・雅克・加丁(Georges-Jacques Gatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。
法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。
高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。
到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。 时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。
三. 二十世纪的时尚杂志和插图
二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。 随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。 时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。
法国奢侈杂志《宪报》(Gazette du bon ton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的领军人物,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯・马丁(Charles Martin),爱德华多・加西亚・贝尼托(Eduardo Garcia Benito),乔治・巴比耶(George Barbier),乔治・勒帕佩(Georges Lepape)和翁贝托・布鲁内莱斯基(Umberto Brunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。
在美国,大众市场时尚杂志《 Vogue》和《 Harper's Bazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。 Harper's Bazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。
从1910年到第二次世界大战爆发,《 Vogue》杂志的封面始终带有插图。 Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦・德莱顿(Helen Dryden),乔治・沃尔夫・普朗克(George Wolf Plank),乔治・勒帕佩(Georges Lepape),莱恩德克尔(F.X. Leyendecker)创作的艺术品。
第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多・贝尼托(Eduardo Benito),查尔斯・马丁(Charles Martin),皮埃尔・布里索(Pierre Brissaud)和安德烈・马蒂(Andre Marty)。
四. 时尚插画的黄金时代
1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。 每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。
摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。
随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women's Journal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。
Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。 据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”
迪奥在1940年代后期的“New Look”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。
五. 时尚插画的毁灭与复兴
到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作和配饰的文章,或从事广告活动。
1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。
安东尼奥・洛佩兹(Antonio Lopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。
在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如La Mode en peinture(1982),Conde Nast’s Vanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。
六. 今天的时尚插画
介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。
摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。 在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。 1990年代,先驱插画师Ed Tsuwaki,Graham Rounthwaite,Jason Brooks和Kristian Russell等在计算机绘图领域开始兴起。
这一时期见证了计算机设计程序Adobe Photoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。
最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。 随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。
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