戏服插画-Netflix纪录片《抽象，设计的艺术》第二季携手六位设计大咖精彩来袭

最近,Rihanna登上了杂志《Essence》一&二月刊的封面。

这个封面的「拍摄」形式蛮特别的:一副来自艺术家Lorna Simpon的手绘作品,被当做了「头饰」,「戴」在了这位女企业家的头上

事实上,这一期《Essence》的封面大片,统统采用的都是这样「虚实结合」的形式。

过去这一年发生的事儿,很大程度上改变了传统媒体的拍摄和排版方式。

因为各种安全因素和人员流动性的限制,让大型户外拍摄和复杂置景困难重重;

手绘形式的封面,似乎重新流行了起来。

事实上,在摄影技术普及之前, 时尚 杂志的封面,基本是靠 时尚 插画师们撑起来的。

从某种层面来说,用绘画形式表现时装,无论是色彩、细节,还是画面构筑的想象空间,可能都更胜实景拍摄。

上世纪上半叶,是时装的黄金年代,这个时期,也涌现了超多出色的 时尚 插画师。其中有一位,搁现在,那就是每个设计师都想加微信求合作的那种存在...

他就是Christian Bérard。

Bérard被认为是诸多插画师中最「天才」的一位,用现在的话说,身份足够斜杠。头顶插画家、艺术家、家居设计师、服装设计师等诸多抬头。

Christian Dior、Gabrielle Chanel、Elsa Schiaparelli都是他的密友……

刚刚过去的牛年除夕当日,恰是他逝世的72周年。

Christian Bérard

01. 是时装插画亦是艺术

Christian Bérard的故事,没有什么戏剧化的坎坷或是「怀才不遇」;因为出众的业务能力,Bérard刚一出道,就迅速成为业内瞩目的「明星」。

上世纪三四十年代的法国版 Vogue,Haper's Bazaar,Annabelle 等杂志,经常可以看到他的作品。

他的绘画风格个人特色很强烈,辨识度超高。你或许不知道他的名字,但大概率看过他的插画。

它们多以水彩绘成,线条肆意浪漫、用色轻快明亮;看似是扁平化的速写风格,晕色却极有层次感。

是融合了新浪漫主义的诗意风格~

线条洒脱但克制精准,寥寥几笔就将人物和服装的勾勒得很传神。

他的作品还很有想象力,呈现出超现实主义风格。

Bérard的透视技法和氛围描绘也很高超,空间的景深和情绪,在看似随意的几笔晕染里就活灵活现。

毫无疑问,

Bérard提升了 时尚 插画的艺术水平,

不仅仅是单纯的记录和刻画时装,甚至反过去影响了一部分设计师的风格养成。

Christian Dior先生就曾经在纪录片中提到,Bérard的作品「

为他打开了一个新的世界。

」

而他为Dior创作的这张Bar Jacket的插图,用他独到的晕染和勾勒方式,描绘出了New Look的线条之美。也成了时装史中无可逾越的一个经典。

02. 服装设计的多面手

Bérard不仅是时装的「记录者」,也是「创造者」。

下面这张Bérard为Schiaparelli画的插画,三件衣服都是他为Schiaparelli 1938年秋冬的「占星术」系列设计的。中间这件斗篷的背面,是一个融入人脸的太阳,有点超现实主义风格。

后来它变成了Schiaparelli的一件斗篷,名叫「凡尔赛的阿波罗」,绣着华丽的金色刺绣来表现太阳的光芒。

除此之外,Be rard也和一些大公司合作,设计生产服饰。

Be rard还为自己的好朋友,剧作家让・科克托(Jean Cocteau)的电影多次设计戏服。

1946年法国版的《美女与野兽》的服装,正是出自他之手,算是最接近于他绘画风格的「立体呈现」,颇有新浪漫主义的调调。

相比于实用主义的成衣设计,Be rard的浪漫天性,在戏服设计领域,显然更有优势。

他曾经为俄罗斯芭蕾舞团、香榭丽舍芭蕾舞团等四支芭蕾舞团,设计过美丽的戏服。

Be rard和当时名盛一时的舞者Tamara Toumanova有着很密切的合作,为她设计了多部舞剧的服装。

我们之前写过的这条很美丽的缀满星星的薄纱芭蕾裙,就是Be rard为Tamara Toumanova在芭蕾舞剧《Cotillon》中设计的!

03. 全能美学设计师

除了负责芭蕾舞剧的服装设计,Be rard还可以一手包揽舞美。

Be rard认为,舞台布景的功能是为作品增色添彩,而不是要夺取观众的注意力。所以他总是在减少布景的元素,仅保留必不可少的要素――

就像他的时装画一样,人物和服装是主角,环境和氛围寥寥数笔,点到为止,却意犹未尽。

于1936年上演的Moliere的戏剧《太太学堂》(L'Ecole des Femmes),服装以及现场的背景布置都是Be rard完成的。现场仅有一个小花园,两个花坛和五个枝形吊灯。

Bérard这一创举是革命性的,可以说是改变了剧场的布局设计。

如今剧院仍在沿用Be rard的方式:使用深红色来使观众集中注意力,其余仅保留浅色、柔和的色彩来衬托表演。

那场在战后巴黎举行的,令人叹为观止的Théâtre de la Mode( 时尚 剧院),Be rard也作为至关重要的「总指挥」,为那些精美的微缩的「时装模特」们「搭建」了秀场...

Be rard在空间和装饰设计上的才能,使得他和一些家具公司以及设计师,合作进行了室内装潢的设计。

前美国副总统纳尔逊・洛克菲勒在第五大道的一间公寓,也特意请Be rard为他设计了一款地毯,好与他原本的室内装修风格相匹配。

Be rard大胆的用色和笔触,和墙上的那些毕加索、马蒂斯的装饰画很是吻契。

Schiaparelli的Couture House展厅中有一扇三折屏风,也是Be rard为她所绘。

如今娇兰法国总部的办公室,有一扇很幽默的错觉视觉手绘门,亦来自Bérard的手笔

他的绘画作品,影响了后来的不少设计师。Prada 2021男装春夏发布的场地,是不是就和他的这幅画,有这么点微妙的联系?

Bérard还曾跨界,为Nina Ricci的香水,「喜悦之心」Coeur-Joie,设计了一款可爱的香水瓶。

有这么多「斜杠」设计,可见Bérard才华非凡。据说他即使是在和朋友用餐途中,都经常才思喷涌不停地在桌布、餐巾纸和菜单上绘画,构想服装或者布景设计。

最高兴的是服务生,他们都会赶紧把Bérard画过的东西收起来,转手卖给收藏家。

04. 设计师们的「Bébé」

Bérard金发蓝眼,长了一张红润丰满的脸,据说长得很像彼时巴黎大街小巷所见的一张肥皂广告上的婴儿。所以Bérard的好朋友们都把他亲切地称为「Bébé」。

上文就提到,Bébé与当时许多大神级别的时装设计师私交甚好,他的美学也或多或少影响了他的「闺蜜」们~

Schiaparelli在自传《Shocking Life》中写道:「

能受到贝贝的赏识和钦佩,甚至成为朋友,是在巴黎的社交圈和知识分子中一种莫大的认可。

」

据说正是Bérard所说的一句「Isn't pink a lovely colour?」,引发了巴黎设计师使用粉色的狂潮,也许Schiaparelli对Shocking Pink的应用就是受他影响

众所周知,Schiaparelli和Chanel是死对头。

但Bérard,和嘉柏丽尔女士,也是好闺蜜。游走在这两位慕强的女性之间,这人格魅力,非同一般...

香奈儿于丽兹酒店的寓所里挂着Bérard送她的装饰画(乌木屏风上)

Bérard和香奈儿在巴黎丽兹酒店,1938年

Bérard为香奈儿创作的时装插画

而Christian Dior先生的New Look的诞生,也颇有可能受到他的影响――Bérard的时装插画和他所设计的芭蕾舞服,都非常强调女性腰部的曲线...

Christian Be rard在Dior首秀前夕送给他一幅水彩画

Christian Dior 1947年的时装首秀

不仅如此,如今Dior钟爱的「茹伊印花」,也是采取了Bérard的建议。

Dior 位于蒙田大道的首间店里,墙身、家具、摆放的盒子全都用是茹伊印花布置的。Dior 先生的回忆录《Dior by Dior》中记录着:

是贝贝建议我们在店里挂上茹伊印花布料,把印有店名的帽子纸盒摆放于四周,包括衣柜柜顶上和每个角落。骤眼看似一片混乱,他却赋予了生命。

Bérard还启发引导了Yves Saint Laurent对时装的热爱。

我们前文提到Bérard为《太太学堂》设计了服饰和布景。年幼的YSL就是看了这场戏,「

感到无与伦比的感动,我一生中最不寻常的感觉

」,开始尝试制造自己的小剧院,用母亲的废布料和旧床单制作服装。

我马上就被Bérard的力量打动了。他让我确定了我想要投身的方向,我想像他一样,为戏剧做设计。他知道如何塑造角色,他知道如何构建服装,捕捉轮廓和时间的精髓,他重塑了服装。

Bérard的设计和时装插画,一直都是Yves Saint Laurent灵感的主要来源。从YSL留下来的一些手绘图中,不难看出他的绘画风格很有Bérard的影子。

1949年2月11日,Bérard在为戏剧《斯卡潘的诡计》设计布景和戏服时,从舞台上站起来突发心梗,永远地倒在了舞台上。

对于一个热爱舞台和设计的天才来说,这或许是一种很戏剧却壮丽的离开方式。

巴黎几乎所有的艺术家和知识分子都参加了他的悼念会,Bébé被所有人深切缅怀着。

时尚 圈也从来没有忘记过他的存在。Givenchy在1987年的秋冬系列,曾经致敬Christian Be rard,秀场布景以及服装设计,都采取了Be rard的插画。

Anna Sui 1995年的春夏系列,有几条裙子,是从Be rard在40's为Zika Ascher设计的面料中,提取印花重新着色,使它焕发了新的生机。

Berard为Ascher设计的面料

Anna Sui 1995 SS

在Dior创立60周年之际,彼时执掌Dior的John Galliano,没有忘记品牌和Christian Be rard的深厚渊源,设计了一条裙子专门致敬Be rard。

Schiaparelli 2015年春夏高定,也有几件look的印花图案,深受Be rard画风的影响。

Christian Bérard,这样一位潜移默化影响了上世纪诸多时装设计大师的天才人物,理应被大家记得名字。

纪录片《抽象: 设计的艺术(Abstract: The Art of Design)》,探访全球创意艺术名家。分享这些活跃于世界顶级设计领域舞台的设计师所持的创意艺术理念。

导演:摩根・内维尔/伊丽莎白・柴・瓦沙瑞莉/布瑞恩・奥克斯/理查德・普莱斯

编剧:克里斯・庄

类型:纪录片

制片国家/地区:美国

语言:英语

这个记录片在第一季一经推出就大火,是每个艺术高校必看的节目之一。第一季共8集,带观众走进较为熟悉或容易理解的八个设计领域的顶级设计师: 插画设计、跑鞋设计、舞台设计、建筑设计、汽车设计、平面设计、摄影、室内设计 ,每一位设计师都是其领域的大咖级人物。

3年的时间,Netflix关于设计的纪录片《抽象:设计的艺术》第二季终于在上个月拉开帷幕。这一季的设计师是 著名的丹麦艺术家、建筑师奥拉维尔・埃利亚松 ; 生物建筑设计师、MIT实验室教授内里・奥克斯曼 ; 电影《黑豹》服装设计师、奥斯卡奖得主露丝・卡特 ; 儿童娱乐设计师卡斯・霍曼 ; Instagram产品设计师伊恩・斯帕尔特 ; 知名字体设计师乔纳森・胡福勒。

奥拉维尔・埃利亚松

“没有眼睛,没有观众,就没有艺术的存在。 ”

风、光、水、雾、冰、气等一系列现象,都是他创作的材料。丹麦、冰岛的星辰、极光以及地理万象是他艺术的底色。气象学、物理学、光学和建筑学可以说是他艺术表现的基石。

他曾为伦敦带来了一轮“红日”

也曾为斯德哥尔摩送去一条 “绿色的河流”

曾为哥本哈根和巴黎取来北极的“万年冰川”

为纽约创造过瀑布

为丹麦奥胡斯创造了彩虹

还曾创造过“天上的星星”、隐现彩虹的雾、

拥着光跳舞的流水

(气候项目,伦敦泰特美术馆)

(水摆钟,北京)

他创造了一切似乎只能出现在梦里的场景

被誉为“当代艺术中的达・芬奇”

2016年他年仅49岁

在“全球私人美术馆占有率”榜单中

以第8的排名紧追毕加索

……

内里・奥克斯曼

“她是艺术、设计、科学和工程相结合的化身”

她被誉为“当代达芬奇”,被称为“材料生态学”的创始人,她的团队能够利用苔藓、蘑菇和苹果果胶做一些疯狂的实验。他们所在的媒体实验室是秉承社会良知的尖端技术试验场所。

对于大多数设计师来说,设计是解决当下的问题,但对内里来说却是要寻找问题。

她所研究的领域对很多人来说都还非常陌生,她的设计也相当有未来感―― “她做的是大自然做的事,但也许做得比大自然更好。”

艺术是为了表达,科学是为了探索,工程是为了创造,设计是为了沟通。而内里・奥克斯曼的厉害之处在于,她正是 “艺术、设计、科学和工程相结合的化身”。

露丝・卡特

“我所做的事不是缝衣服,而是讲故事。 ”

1993年,凭借《黑潮》获得第65届奥斯卡金像奖最佳服装设计奖提名。1998年,凭借《勇者无惧》获得第70届奥斯卡金像奖最佳服装设计奖提名。2018年6月20日,担任服装设计师的电视剧《黄石之争》在美国首播。2019年2月25日, 凭借《黑豹》获得第91届奥斯卡金像奖最佳服装设计奖。

露丝・卡特在影片开始就向观众介绍了她两个与众不同的特点: 第一,她从事戏服设计不是因为喜欢时尚,而是因为热爱各种剧作家和诗人;第二,她的戏服设计不是裁剪或缝衣,而是讲故事。

卡斯・霍曼

“Good toys make good people”

在卡斯・霍曼的眼中,一个好的玩具要能够激发孩子们的想象力和创造力,举个例子,如果你给孩子们一堆零件让他们造一辆汽车,最后出来的结果不会错到哪里去,因为他们都见过汽车,知道大概长什么样,只需要按部就班就可以了――这是个已经有明确答案的题目。

但如果你跟孩子们说,造一个上学用的工具,那结果可能就会非常天马行空,有无限的可能性……

卡斯的设计注重让孩子在玩的过程中提升自我能力。她认为最理想的玩具,要有建设性和直觉感。 这也是她设计的玩具最大的特点,在无拘无束的玩乐中启发和强调创意和创造性。

伊恩・斯帕尔特

“数字产品设计,不仅仅是用户体验设计,也关于整体产品策略。 ”

伊恩是一个黑白混血,顶着一个爆炸头,乍看像一位潮酷的说唱歌手。记得当年Instagram从相机logo换成现在的彩虹logo时,引起全球一片哗然,各种新闻媒体、社交媒体毫不留情的批评声此起彼伏,那正是伊恩加入Instagram的第一个杰作。

尽管logo被批得一无是处,但不得不说在界面设计以及用户体验方面,instagram有了质的飞跃:原本一些底色去掉,视觉扁平化,更简洁直观;照片成为用户体验的中心,更鼓励图片创作和分享……

在伊恩看来,数字产品设计,不仅仅是用户体验设计,也关于整体产品策略,需要研究和考虑用户的使用需求。 例如,欧美的Instagram用户喜欢分享自拍,但是日本用户却相对较少。

乔纳森・胡福勒

“我大部分的工作就是找到这些骨头,然后想象它们来自什么样的生物。 ”

全季看下来,字体设计这一集似乎是最好懂的。不仅因为字体设计我们经常接触或随处可见,也因为乔纳森本人的逻辑性和分析性很强,在他的循序渐进的阐述和解释下,字体设计不再是个难以理解的事情。而且这集的后期也有很多跟平面有关的视觉沟通语言,看起来非常直观、吸引眼球,且通俗易懂。

乔纳森最开始对字体的兴趣,是从注意到不同钟表中不同字体的审美开始的,以及后来在杂志上看到如何用字体设计表达讽刺和评论。 是一个实实在在的字体大咖。

这个节目的魅力在于它会让你看到另一个世界,一个沉浸在艺术沉浸在设计的世界。

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皇家艺术院校

这所大学是英国唯一的全研究生院。它一直是世界艺术每科QS排名榜的顶级大学,都是英国顶尖大学。在教学方面,这所大学的老师几乎都是着名的艺术大师,但不但老师出色,学生也出色。

调研,这儿的学生是英国室内设计师最集中的地域之一,每一年大学毕业的优秀学生不计其数。除此之外,世界上还有造型艺术排前50的大学,都是有交换生项目,那对学生有机会去其他平台锻炼自己有多好。假如学生想参加更多国际项目,需要一个单纯的造型艺术自然环境,四周的学生全是文艺界的精锐学生,那么选择这所大学是一个很好的挑选!

坎伯韦尔学院

在这里所大学里,你一定不了解他们的名字。实际上,这所大学是伦敦大学的一所艺术学院。在最新的19年QS名单中,它稳居世界前2名,这显示强悍的造型艺术整体实力。在课程中,学院有特殊的人文课堂教学,把学生的想像力摆在首位。

18年以来,它被《泰晤士报》评选为坎伯韦尔学院是一流的艺术学院,将高质量传统式与新起逻辑思维紧密结合。尽管排行一般分成多少,可是却这类称赞看得出,学院和皇家艺术学院实力其实并不相等。假如学生想申请大学,她们也应当准备充分。

格拉斯哥大学

这所大学最初是政府部门创办的第一所艺术学院,历史时间十分早。学院专业的主要是8个造型艺术、设计部门和建筑部,学院主要是本科毕业生,非常少招生硕士研究生,但这并不意味着学院的学术欠缺。反过来,格拉斯哥被称作世界艺术学院的光芒。

建筑规划设计

建筑规划设计一直都是留学中的热门专业。伴随着时代的发展,大城市愈来愈需要更多的工程建筑朝着更为幸福的生活前行,所以也需要更多出色的建筑设计专业层面的人才开弥补这一缺口,学生就业前行十分丰厚。

室内设计

近些年都市化基本建设加速,人们对于室内设计的需求也随着品味的提升而有了更多的规定,因而市场对于更专业的室内设计人才的要求也大幅增加,而英国的室内设计水准一直领先世界。

广告设计/视觉传达设计

伴随着自媒体平台及其数字媒体技术的快速发展,各个行业行业都要广告设计及其视觉传达设计层面的人才。由于该专业领域包含内容非常普遍,因而各大学的课程内容和着重点会有很大的不同。例如对于想进入广告行业的学生,大学会出现网络营销、顾客分析、软文撰写、文化传媒基础理论等附加课程内容可供选择。