我们需要怎样的课本插图？
《书林清话》有言:吾谓古人以图书并称,凡有书必有图
图片不仅仅有解释和说明文字的作用,更能够拓展思想,涵养美感
。所以课文插图具有十分重要的意义。而这样的意图却被玷污,儿童课本插画的人物,眼神奇怪,表情诡异,毫无美感,一度上了7个热搜。
如何让插画既有真实性又能够吸引学生的注意力,这非常值得我们认真思考揣摩。
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插图与课文所一致
研究表明,适当的插图有利于孩子们理解课文,
提升他们的阅读理解能力,更能缩短他们阅读的时间,有助于他们更好地把握所学课本的知识内容。
而插图与课文不一致,就没有发挥到它本身的意义,无法起到促进学习的作用。人教版数学教材就是一个错误的案例!
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正确传播美与丑
插画对于儿童有着很大的吸引力,我们需要为孩子创造一个积极乐观向上的画面
。而不是如今宽眼距、塌鼻梁、眼神奇怪、吐舌头等等图片,不仅带坏了小孩的审美,而且也造成了心理阴影。
通过采访我们了解到,小朋友对于课文的插画,也一致认为很奇怪不好看,甚至还会产生害怕的心理。所以我们要正确传播美与丑,树立好小朋友的审美观。
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缅怀先烈勿忘国耻
不看不知道,一看吓一跳。从小学生的课本中我们可以看到,男孩子是武士道的发型,身着星条服饰,戴着美国队长标志的耳机,甚至插图的飞机是侵华日军海军川西水上战机的强风”N33K“。
我们不得不怀念当初课本上的狼牙山五壮士、少年闰土、曹冲称象......曾经一张张美妙的插图,让人印象深刻。
审美教育并不是一种专门的教育,而应在潜移默化中进行
。
对于孩子们来说,正是爱玩好动的年龄,枯燥的课程,他们的注意力更多将会关注在插画上。所以插画内容十分重要!
对此我们要广泛听取意见、精益求精,
帮助孩子们认识真正的美,在灌输知识的同时,培养他们对“雅”的认同
。将粗劣低俗扼杀在摇篮里,为他们建立积极开朗,健全的人格而努力奋斗!
人教版数学教材新插图作者发声：如履薄冰，你对新插画有什么建议？
人教版的数学教材引起了很大的争议,数学书中所含有的插画涉及了很多负面的诱导信息,给孩子的价值观的引导产生了很大的误解性。对此为了能够让孩子自有一个比较光明的未来,很多家长便将该事件在网上进行了大范围的发酵,而这也引起了教育部门的重视,对人教版插画进行了改版。插画在绘制的时候,一定要贴合教材的实际内容以及现实生活中小孩子对事物的好奇心和认知,在他们的理解范围之内绘制出来的插画,才能够真正的让孩子理解到课本的知识和内容,进而产生新的认知和理解。
教材中的插画所要反映出来的内容一定是积极而且正面的,并且能够给孩子以正确性的引导,尤其是在关于一些政治方面的内容时,更不应该出现明显的错误。很多家长在看到新版插画的内容也提出来了一些比较明显的错误,在插画中很多人物并没有彰显出小孩子阳光、乐观、活泼的一面,反而看起来比较呆板。
另外在绘制语文教材中的插图时,更需要将景物描写的比较写意。尤其是在绘制与现实有关的景色时,要将生活中的人物劳作时的景观描写出来,比如农民伯伯在种地时则需要将其辛苦的画面描绘出来,而且还要体现出粮食的来之不易。而且很多人物所戴的红领巾看起来非常的假,没有彰显出生活中比较真实的一面。因此在绘制人物插图的时候更要讲究,烘托出校园青春阳光的氛围才能够让孩子喜欢校园。
总之教材是引导一代人形成正确三观道重要源头,如果在这一方面没有做好严格的把关,那么其荼毒的就不仅仅是一代人了。其更可能会对以后的人也造成严重的影响,让他们对祖国的热爱以及任同度不会那么高涨,那么这就会让其他人有机可乘。
时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“
时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。
接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。
一. 时尚插画的开始
时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。
在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。
十七世纪的艺术家雅克・卡洛(Jacques Callot)和亚伯拉罕・博斯(Abraham Bosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。
这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括Le Mecure Gallant,The Lady's Magazine,La Gallerie des Modes,Le Cabinet des Modes和Le Journal des Dames et des Modes。 在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。
二. 十九世纪的时尚图样(The fashion plate)
时装图样(The fashion plate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如Horace Venet的《 Incroyables et Merveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治・雅克・加丁(Georges-Jacques Gatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。
法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。
高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。
到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。 时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。
三. 二十世纪的时尚杂志和插图
二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。 随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。 时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。
法国奢侈杂志《宪报》(Gazette du bon ton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的领军人物,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯・马丁(Charles Martin),爱德华多・加西亚・贝尼托(Eduardo Garcia Benito),乔治・巴比耶(George Barbier),乔治・勒帕佩(Georges Lepape)和翁贝托・布鲁内莱斯基(Umberto Brunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。
在美国,大众市场时尚杂志《 Vogue》和《 Harper's Bazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。 Harper's Bazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。
从1910年到第二次世界大战爆发,《 Vogue》杂志的封面始终带有插图。 Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦・德莱顿(Helen Dryden),乔治・沃尔夫・普朗克(George Wolf Plank),乔治・勒帕佩(Georges Lepape),莱恩德克尔(F.X. Leyendecker)创作的艺术品。
第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多・贝尼托(Eduardo Benito),查尔斯・马丁(Charles Martin),皮埃尔・布里索(Pierre Brissaud)和安德烈・马蒂(Andre Marty)。
四. 时尚插画的黄金时代
1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。 每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。
摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。
随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women's Journal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。
Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。 据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”
迪奥在1940年代后期的“New Look”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。
五. 时尚插画的毁灭与复兴
到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作和配饰的文章,或从事广告活动。
1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。
安东尼奥・洛佩兹(Antonio Lopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。
在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如La Mode en peinture(1982),Conde Nast’s Vanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。
六. 今天的时尚插画
介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。
摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。 在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。 1990年代,先驱插画师Ed Tsuwaki,Graham Rounthwaite,Jason Brooks和Kristian Russell等在计算机绘图领域开始兴起。
这一时期见证了计算机设计程序Adobe Photoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。
最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。 随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。
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